有把京剧称为国粹的，我不知道这是不是官方的权威定论。我只知道昆曲是被联合国定为非物质文化遗产了，不知道京剧是否已经有此殊荣。如果京剧真的正式定为国粹，那今天绝大多数中国同胞可太不爱国了。不过这里暂时不去管它，今天想谈谈京剧的表现形式。

一般把京剧的表演形式的特性概括为程式化，虚拟化。其实最根本的就是程式化。我是这样看的，这程式化具体说就是舞蹈化，京剧演员的一举一动，所谓手眼身法步，都被赋予了一定舞蹈的形式而固定下来，（这里我把每一个台步都归入舞蹈，也把武打归入舞蹈，因为那里面根本没有博斗，都是舞蹈动作，）每齣京剧的所有一切（舞蹈）过程都按照既定的音乐节奏（锣鼓）进行，（等于是一部总谱，）所以实际上京剧就是舞剧加入了歌唱和对白，而形成一个整体。这是京剧的最大特点和优点，所谓无声不歌，无动不舞。（也有的人把京剧的特点还加上写意性，假定性等，我觉得那都是从虚拟性派生的，下面再说。）

关于虚拟化，那其实是落后条件下的产物。因为那时京剧舞台的条件提供不了实物，就只有虚拟了。（小孩子最原始的戏剧即“办家家“就是这样的，）譬如舞台上安不了门，就可以作出模仿开关门的舞蹈化动作，来象征门的存在，没有马就用马鞭象征等。但是只要能够提供实物的它就不虚拟了，例如桌椅就从来不虚拟，（要虚拟演员也受不了，要他/她一动不动摆出假坐的舞蹈动作10分钟，岂不要他的好看？）。其他如车，轿以及各种用具，各种武器也无不提供象征的或尽量逼真的实物。所以虚拟乃不得已而为之。老式京剧舞台空空荡荡，乃不得已也，把这作为京剧的特点或优点，实在勉强。但这也给了京剧最大的方便，同一个空空荡荡的舞台，一会是在家中，一会又进了皇宫，或者到了大街上或后花园了，然而要说观众的视觉享受，自然谈不上了。

（这种情况，在舞台条件经济条件改善之后已经有了改变，可能条件下用了些布景，特别是在拍京剧电影时，但京剧的特点会受影响。如何处理，也就是如何不妨碍京剧特点的发挥而适当减少虚拟，待实践来解决。）

除此之外，构成京剧的最重要特征在于他的一整套完整的京剧声腔音乐系统， 这是京剧区别于其他剧种或艺术形式的关键所在。这套体系太专门，我在这里不去谈论具体的调式板式，更不涉及什么流派，主要谈两方面。

锣鼓：这是京剧音乐的有机组成部分，可以说是京剧的灵魂，因为它控制京剧演出的整个过程和节奏。然而这种原来适合于室外演出（农村草台戏班子）的分呗，有没有可能进一步改进以适应现代都市青年观众，我虽然过去听惯了，今天也嫌吵。

京剧唱段中的过门（这个问题从来没有看见有人提到过）：在歌唱的形式中，像京剧这样具有固定过门的好像非常少见(不包括地方戏)。 固然，在戏剧的歌唱中，像昆曲那样一开始唱就没完没了，毫无间歇，非到一段结束不歇气，不免令人产生听觉疲劳，而产生抗拒感；但京剧的过门的间歇，占用时间过长，也是问题。我自己大略统计，在原板或慢板中，大约唱词占45%时间，过门占55%时间。过门虽然起个音乐环境的效应，但是基本都是自身重复，拉长了时间，不利表演。而且唱段多半是用于对话的，演员在每句话之间，并不需要过门这种时间间隔，因此演员的表演在过门的时间十分无奈，不得不做出一些不必要的肢体或面部动作来拖时间，事实上是个累赘。其实过门是完全可以缩减的，但是现在流行的做法反而是一些琴师要特意增加花过门，脱离剧情，延长过门，只为讨好。我以为应该把目前每次七八个小节的过门压缩到两小节，使表演更加紧凑。奇怪的是为什么从来没有人在这方面动脑筋。

其次如何让观众听懂唱词也很重要。虽然京剧很强调吐字，所谓“字正腔圆”，然而实际上观众中很少有人能够听懂唱词。根据我的经验，观众听懂唱词兴趣会大得多。所以采用字幕是必要的。

京剧前辈大师王瑶卿，就主张京剧的命运在于革新，而现在却有人主张要敬畏传统。有的对于前人亦步亦趋，生怕走了样，斤斤拘泥于某个大师在唱某个字时候又多了一个小弯之类。我的感觉，京剧不论在唱腔艺术和舞蹈艺术方面都需要发展。舞蹈，即身段，是京剧界所最自豪的，然而岂无发展余地？前些年从地方剧种都带来过少许新东西，（称为移植），然而京剧界自己的创造呢？过去有些演员，我觉得像赵燕侠，童芷玲她们就相当大胆，敢于创新，并不去特意标榜自己是哪一派；如今呢？人人都在一个劲地往某一派归靠，我曾经以为李维康有点自己个性，好像也不怎么样了。大陆那种大环境，也不可能产生有个性能够独立创造的拔尖人物。我这外行也是瞎操心。

现在又提出要培养观众，要在中小学中普及京剧知识。要在音乐课中增加京剧内容，我看到的消息说选了15段戏，绝大多数是现代戏。这也难怪，你想传统戏的唱词有几段适宜去教给小孩子呢？必然是“都有一颗红亮的心”之类了。至于谁来教，是个问题，至不济当成歌唱吧。有把京剧称为国粹的，我不知道这是不是官方的权威定论。我只知道昆曲是被联合国定为非物质文化遗产了，不知道京剧是否已经有此殊荣。如果京剧真的正式定为国粹，那今天绝大多数中国同胞可太不爱国了。不过这里暂时不去管它，今天想谈谈京剧的表现形式。

一般把京剧的表演形式的特性概括为程式化，虚拟化。其实最根本的就是程式化。我是这样看的，这程式化具体说就是舞蹈化，京剧演员的一举一动，所谓手眼身法步，都被赋予了一定舞蹈的形式而固定下来，（这里我把每一个台步都归入舞蹈，也把武打归入舞蹈，因为那里面根本没有博斗，都是舞蹈动作，）每齣京剧的所有一切（舞蹈）过程都按照既定的音乐节奏（锣鼓）进行，（等于是一部总谱，）所以实际上京剧就是舞剧加入了歌唱和对白，而形成一个整体。这是京剧的最大特点和优点，所谓无声不歌，无动不舞。（也有的人把京剧的特点还加上写意性，假定性等，我觉得那都是从虚拟性派生的，下面再说。）

关于虚拟化，那其实是落后条件下的产物。因为那时京剧舞台的条件提供不了实物，就只有虚拟了。（小孩子最原始的戏剧即“办家家“就是这样的，）譬如舞台上安不了门，就可以作出模仿开关门的舞蹈化动作，来象征门的存在，没有马就用马鞭象征等。但是只要能够提供实物的它就不虚拟了，例如桌椅就从来不虚拟，（要虚拟演员也受不了，要他/她一动不动摆出假坐的舞蹈动作10分钟，岂不要他的好看？）。其他如车，轿以及各种用具，各种武器也无不提供象征的或尽量逼真的实物。所以虚拟乃不得已而为之。老式京剧舞台空空荡荡，乃不得已也，把这作为京剧的特点或优点，实在勉强。但这也给了京剧最大的方便，同一个空空荡荡的舞台，一会是在家中，一会又进了皇宫，或者到了大街上或后花园了，然而要说观众的视觉享受，自然谈不上了。

（这种情况，在舞台条件经济条件改善之后已经有了改变，可能条件下用了些布景，特别是在拍京剧电影时，但京剧的特点会受影响。如何处理，也就是如何不妨碍京剧特点的发挥而适当减少虚拟，待实践来解决。）

除此之外，构成京剧的最重要特征在于他的一整套完整的京剧声腔音乐系统， 这是京剧区别于其他剧种或艺术形式的关键所在。这套体系太专门，我在这里不去谈论具体的调式板式，更不涉及什么流派，主要谈两方面。

锣鼓：这是京剧音乐的有机组成部分，可以说是京剧的灵魂，因为它控制京剧演出的整个过程和节奏。然而这种原来适合于室外演出（农村草台戏班子）的分呗，有没有可能进一步改进以适应现代都市青年观众，我虽然过去听惯了，今天也嫌吵。

京剧唱段中的过门（这个问题从来没有看见有人提到过）：在歌唱的形式中，像京剧这样具有固定过门的好像非常少见(不包括地方戏)。 固然，在戏剧的歌唱中，像昆曲那样一开始唱就没完没了，毫无间歇，非到一段结束不歇气，不免令人产生听觉疲劳，而产生抗拒感；但京剧的过门的间歇，占用时间过长，也是问题。我自己大略统计，在原板或慢板中，大约唱词占45%时间，过门占55%时间。过门虽然起个音乐环境的效应，但是基本都是自身重复，拉长了时间，不利表演。而且唱段多半是用于对话的，演员在每句话之间，并不需要过门这种时间间隔，因此演员的表演在过门的时间十分无奈，不得不做出一些不必要的肢体或面部动作来拖时间，事实上是个累赘。其实过门是完全可以缩减的，但是现在流行的做法反而是一些琴师要特意增加花过门，脱离剧情，延长过门，只为讨好。我以为应该把目前每次七八个小节的过门压缩到两小节，使表演更加紧凑。奇怪的是为什么从来没有人在这方面动脑筋。

其次如何让观众听懂唱词也很重要。虽然京剧很强调吐字，所谓“字正腔圆”，然而实际上观众中很少有人能够听懂唱词。根据我的经验，观众听懂唱词兴趣会大得多。所以采用字幕是必要的。

京剧前辈大师王瑶卿，就主张京剧的命运在于革新，而现在却有人主张要敬畏传统。有的对于前人亦步亦趋，生怕走了样，斤斤拘泥于某个大师在唱某个字时候又多了一个小弯之类。我的感觉，京剧不论在唱腔艺术和舞蹈艺术方面都需要发展。舞蹈，即身段，是京剧界所最自豪的，然而岂无发展余地？前些年从地方剧种都带来过少许新东西，（称为移植），然而京剧界自己的创造呢？过去有些演员，我觉得像赵燕侠，童芷玲她们就相当大胆，敢于创新，并不去特意标榜自己是哪一派；如今呢？人人都在一个劲地往某一派归靠，我曾经以为李维康有点自己个性，好像也不怎么样了。大陆那种大环境，也不可能产生有个性能够独立创造的拔尖人物。我这外行也是瞎操心。

现在又提出要培养观众，要在中小学中普及京剧知识。要在音乐课中增加京剧内容，我看到的消息说选了15段戏，绝大多数是现代戏。这也难怪，你想传统戏的唱词有几段适宜去教给小孩子呢？必然是“都有一颗红亮的心”之类了。至于谁来教，是个问题，至不济当成歌唱吧。有把京剧称为国粹的，我不知道这是不是官方的权威定论。我只知道昆曲是被联合国定为非物质文化遗产了，不知道京剧是否已经有此殊荣。如果京剧真的正式定为国粹，那今天绝大多数中国同胞可太不爱国了。不过这里暂时不去管它，今天想谈谈京剧的表现形式。

一般把京剧的表演形式的特性概括为程式化，虚拟化。其实最根本的就是程式化。我是这样看的，这程式化具体说就是舞蹈化，京剧演员的一举一动，所谓手眼身法步，都被赋予了一定舞蹈的形式而固定下来，（这里我把每一个台步都归入舞蹈，也把武打归入舞蹈，因为那里面根本没有博斗，都是舞蹈动作，）每齣京剧的所有一切（舞蹈）过程都按照既定的音乐节奏（锣鼓）进行，（等于是一部总谱，）所以实际上京剧就是舞剧加入了歌唱和对白，而形成一个整体。这是京剧的最大特点和优点，所谓无声不歌，无动不舞。（也有的人把京剧的特点还加上写意性，假定性等，我觉得那都是从虚拟性派生的，下面再说。）

关于虚拟化，那其实是落后条件下的产物。因为那时京剧舞台的条件提供不了实物，就只有虚拟了。（小孩子最原始的戏剧即“办家家“就是这样的，）譬如舞台上安不了门，就可以作出模仿开关门的舞蹈化动作，来象征门的存在，没有马就用马鞭象征等。但是只要能够提供实物的它就不虚拟了，例如桌椅就从来不虚拟，（要虚拟演员也受不了，要他/她一动不动摆出假坐的舞蹈动作10分钟，岂不要他的好看？）。其他如车，轿以及各种用具，各种武器也无不提供象征的或尽量逼真的实物。所以虚拟乃不得已而为之。老式京剧舞台空空荡荡，乃不得已也，把这作为京剧的特点或优点，实在勉强。但这也给了京剧最大的方便，同一个空空荡荡的舞台，一会是在家中，一会又进了皇宫，或者到了大街上或后花园了，然而要说观众的视觉享受，自然谈不上了。

（这种情况，在舞台条件经济条件改善之后已经有了改变，可能条件下用了些布景，特别是在拍京剧电影时，但京剧的特点会受影响。如何处理，也就是如何不妨碍京剧特点的发挥而适当减少虚拟，待实践来解决。）

除此之外，构成京剧的最重要特征在于他的一整套完整的京剧声腔音乐系统， 这是京剧区别于其他剧种或艺术形式的关键所在。这套体系太专门，我在这里不去谈论具体的调式板式，更不涉及什么流派，主要谈两方面。

锣鼓：这是京剧音乐的有机组成部分，可以说是京剧的灵魂，因为它控制京剧演出的整个过程和节奏。然而这种原来适合于室外演出（农村草台戏班子）的分呗，有没有可能进一步改进以适应现代都市青年观众，我虽然过去听惯了，今天也嫌吵。

京剧唱段中的过门（这个问题从来没有看见有人提到过）：在歌唱的形式中，像京剧这样具有固定过门的好像非常少见(不包括地方戏)。 固然，在戏剧的歌唱中，像昆曲那样一开始唱就没完没了，毫无间歇，非到一段结束不歇气，不免令人产生听觉疲劳，而产生抗拒感；但京剧的过门的间歇，占用时间过长，也是问题。我自己大略统计，在原板或慢板中，大约唱词占45%时间，过门占55%时间。过门虽然起个音乐环境的效应，但是基本都是自身重复，拉长了时间，不利表演。而且唱段多半是用于对话的，演员在每句话之间，并不需要过门这种时间间隔，因此演员的表演在过门的时间十分无奈，不得不做出一些不必要的肢体或面部动作来拖时间，事实上是个累赘。其实过门是完全可以缩减的，但是现在流行的做法反而是一些琴师要特意增加花过门，脱离剧情，延长过门，只为讨好。我以为应该把目前每次七八个小节的过门压缩到两小节，使表演更加紧凑。奇怪的是为什么从来没有人在这方面动脑筋。

其次如何让观众听懂唱词也很重要。虽然京剧很强调吐字，所谓“字正腔圆”，然而实际上观众中很少有人能够听懂唱词。根据我的经验，观众听懂唱词兴趣会大得多。所以采用字幕是必要的。

京剧前辈大师王瑶卿，就主张京剧的命运在于革新，而现在却有人主张要敬畏传统。有的对于前人亦步亦趋，生怕走了样，斤斤拘泥于某个大师在唱某个字时候又多了一个小弯之类。我的感觉，京剧不论在唱腔艺术和舞蹈艺术方面都需要发展。舞蹈，即身段，是京剧界所最自豪的，然而岂无发展余地？前些年从地方剧种都带来过少许新东西，（称为移植），然而京剧界自己的创造呢？过去有些演员，我觉得像赵燕侠，童芷玲她们就相当大胆，敢于创新，并不去特意标榜自己是哪一派；如今呢？人人都在一个劲地往某一派归靠，我曾经以为李维康有点自己个性，好像也不怎么样了。大陆那种大环境，也不可能产生有个性能够独立创造的拔尖人物。我这外行也是瞎操心。

现在又提出要培养观众，要在中小学中普及京剧知识。要在音乐课中增加京剧内容，我看到的消息说选了15段戏，绝大多数是现代戏。这也难怪，你想传统戏的唱词有几段适宜去教给小孩子呢？必然是“都有一颗红亮的心”之类了。至于谁来教，是个问题，至不济当成歌唱吧。