歌剧，意大利語 Opera ，来源于拉丁語“作品”的复数形式 Opus。歌剧的中文意思很确切，顾名思义，就是以歌唱和音乐来交代和表达剧情。但是，歌剧不仅包括舞台上的独唱，重唱和合唱，也包括对白。歌剧是把戏剧，文学，音乐，舞蹈和美术结合在一起的综合艺术。

    歌剧最早出现在16 世纪，欧洲文艺复兴发源地意大利的佛罗伦萨 。当时有那么一群人文主义学者组成了一个叫卡梅拉塔（Camerata ）的会社，这就是最早期的佛罗伦萨艺术集团。这些知识分子，艺术家聚集在一起，唱歌，演奏乐器，讨论古希腊的音乐理论和表演风格，借鉴并把古希腊舞台上的悲剧和喜剧重新搬上舞台，把音乐和文字交织在一起，给复古音乐带来了新的形式—— 音乐，芭蕾舞蹈和舞台三位一体。特别是文字和音符，音乐，诗词的相辅相成，他们认为，创造出文字和歌唱水乳交融的音乐，是复兴希腊－罗马音乐的最佳途径。当时，佛罗伦萨的梅迪奇（Medici）家属在银行界，宗教界和政界很有地位，出于婚丧喜庆场合的需要，在客观上催生和资助了这种崭新的艺术形式。   

    然后，意大利的歌剧传播到了欧洲各国。德国的作曲家Heinrich Schütz， 法国的作曲家Jean-Baptiste Lully， 和英国的作曲家Henry Purcell，相继在自己的国家里开创了歌剧的先驱。尽管歌剧逐渐普及于欧洲，蔓延至俄罗斯，甚至中东和远东，一直到18 世纪，意大利的歌剧依然是欧洲的主流。1778 年，在意大利的城市米兰，建造了世界上第一座歌剧院，斯卡拉大剧院，Teatro alla Scala。

     之后，欧洲各国相续建造了巴洛克式的歌剧院：维也纳歌剧院（人们熟知的金色大厅），巴黎歌剧院，英国皇家歌剧院，莫斯科大剧院；直至二十世纪，出现了现代建筑的歌剧院，例如德国的柏林歌剧院，澳洲的雪尼歌剧院；二十一世纪，中国在北京建造了国家大剧院。

    歌剧院的观众座席往往排成圆形或弧形，前低后高，为什么？这是因为文艺复兴时代还没有麦克风这样先进的器具。演员在台上唱歌，声音只能传播到前几排的观众。歌剧院的特殊设计，是借助声音反射和共振的原理来增强歌手的声音。

    更重要的是，意大利在唱歌技术上，创造并发展出了一种新的唱法——Bel Canto （Bel Canto ＝ 优美唱法，中文正式翻译为美声唱法）。这种唱法和以前的不同之处在于发声的方法，当声带发出嗓音之后，利用腹部和胸腔呼吸，这样大大地增加了发声通道里的空气流量，在声带的震动下带动的气流， 经过小舌和软齶，在鼻腔里产生共鸣，在歌手的控制下产生特殊的声学上的效果。

    19 世纪，像卡鲁索（Enrico Caruso）, 吉利 （Beniamino Gigli），那样传奇般的意大利美声歌唱家，为歌剧带来了它的高峰时期，或者说，黄金时代。 他们的声音之所以有那样强大的穿透力和持续力，丰富的音质和优美的音色，靠得就是这种美声唱法，他们能在一个诺大的剧场把声音传播到每个角落。

    美声中的女高音（Soprano），是歌唱中最高的声部，她们按音色，音区等不同特点分为：花腔女高音（Coloratura Soprano)，抒情女高音（Lyric Soprano)，和戏剧女高音（Dramatic Soprano)，其中抒情女高音是最为重要的女高音            

    世界上名声显赫的女高音有希腊的 Maria Callas（1923），德国的 Elizabeth Schwarzkopf（1915），澳大利亚的Joan Sutherland（1926）；当今活跃在舞台上的有美国的Renée Fleming (1959), 俄罗斯的 Anna Netrebko (1971) 和德国的Diana Damrau (1971)。当然还有更多非常有名望的歌唱艺术家，这里不一一列举了。

    歌剧中，台词（word 或者 lyric）都谱上相应的音符（notes 构成的melody）。最初都是比较严肃的朗诵般的诉讼，配上简单的乐器伴奏。后来在风格上面的发展，常见到的台词朗诵的情节，反而被乐队伴奏下的歌手夺走风采。通常一部歌剧中常有数个“咏叹调”（Aria），有时也称为“抒情调”，广为人知的几首咏叹调成为独唱音乐会中的保留节目。

    歌剧故事的永恒主题包括善与恶，善的主角总是男高音和女高音，而代表恶的都由男低音和女中音来担当。这种约定同中国京剧的脸谱有所类同：英雄总是红脸长须，坏人总是黑脸白鼻子。当然，辅助角色也有精彩的片段，例如《茶花女》中的男主角阿芒的父亲乔治，他是个男中音配角，他的演唱和男高音主角的演唱同样感人肺腑。

 歌剧是由文字表达的故事（libretto）配备了音符，勾成了旋律，用唱歌的形式讲故事。按所讲的故事的主題，编成的歌剧也相应反映出不同的风格，对此，常有不那么严格区分的叫法，它們分别如下：

    正歌剧（Opera Seria）——  初衷是为了恢复古希腊的单音歌唱，很自然，最初的歌剧都是以著名的古希腊悲剧和神话人物的旧题材赋以新的艺术形式，而使之更为悲壮和感人。处理的多半是英雄人物的失败，没落，伴随着强烈的情感冲突，这种风格的歌剧往往是严肃，悲壮，雄伟。蒙特威尔第的《奥菲欧》，莫扎特的《唐-璜》可归入这此类，这种形式的歌剧在18 世纪后期，逐步衰落，变成了历史。

    大歌剧（Grand Opera）——  往往是大题材，大乐队，大场面，除了咏叹调外，往往伴随重唱和大合唱，布景华丽，常有芭蕾舞插入。其实，大歌剧是一种法国式的正歌剧。威尔第的《阿依泰》，《茶花女》，《唐.卡罗》，古诺的《浮士德》，罗西尼的《威廉.退尔》可归入此类。

    喜歌剧（Opera Buffa）—— 顾名思义，是指生动活泼，具有喜剧性格的歌剧体裁，内容常取材于日常生活场景或普通人的小故事，音乐和唱词较为通俗易懂。莫扎特的《费加罗的婚礼》， 比采的《卡门》（虽然是以悲剧结局）可归入此类。

    滑稽歌剧（Opera Comic）—— 法国式的喜歌剧，有时插入说白，小丑角色，剧情往往幽默调侃，讽刺讥笑，轻松愉快。唐尼采蒂的《军中女郎》，奥伯的《魔鬼兄弟》可归入此类。

    在歌剧艺术历史上，有一位举足轻重的人物，他就是德国作曲家瓦格纳（Wagner，1813)。瓦格纳是诗人和音乐家集于一身的天才，他的贡献就是对传统歌剧进行了彻底的改革。瓦格纳歌剧的特征：强调简洁，甚至不再分幕，成了无中断的演出。内容不再叙述过去的历史，而是将来的奇妙幻想。为了达到这些特殊要求，瓦格纳歌剧的舞台设计非常超前，可以前后旋转，上下移动，成了一个立体舞台。据说希特勒非常欣赏瓦格纳的作品，二次大战后，以色列一直拒绝公演他的作品。在歌剧历史上，瓦格纳可算得上最受争议的人物了。瓦格纳创作了很多作品，别具一格，空前绝后。如果一定要我给出定义，我觉得瓦格纳的作品像油画中的抽象派—— 突破传统。 

    除此之外，传统的歌剧也在不断地演变和吸收到其它的表演艺术中，比方英国的Andrew Lloyd Webber ，他所创立的Theatrical Musicals 就和歌剧有很多相似的地方，许多人甚至把 百老汇的The Phantom of  the Opera，Cats 称之为歌剧。主要的差别，恐怕就是歌手并不需要歌剧科班出身那样，有着严格的训练以及高度的技巧。

    完成一部歌剧，需要四个组成部分：第一， 导演（Director），舞台演员的选择，交响乐团和音乐的选择，都由导演拍板定案，所以，演出的成功与失败都和他有着举足轻重的关系；第二，音乐指挥，这就是交响乐团的指挥家；第三，舞台设计，这里包括了舞台布景，灯光设计，演员的服装； 第四，歌唱演员，舞蹈演员，群众演员。每当一部歌剧演出结束，四个部门的角色， 逐个上台，向观众亮相，致意，谢幕 。

    纽约大都会歌剧院，Metropolitan Opera House，位于美国纽约的林肯中心，是世界上屈指可数的著名歌剧院之一，每年公演约 240 部歌剧。大都会歌剧院的前身，是19世纪后期建于百老汇39号大街和40 号大街之间的一座剧院。1965 年改造成歌剧院，成为林肯表演艺术中心的核心部分。大都会的建筑风格，融合古典和现代的元素，气势磅礴，规模宏大，高达十层楼，3625 个座位，加上122个包厢，可容纳 4000 多名观众。

    歌剧艺术在当今社会中面临着危机：首先是观众老年化，据统计，歌剧院现在观众的平均年龄为64 岁。歌剧是历史的遗产，表现的题材都和过去有关，欣赏歌剧需要有一定的历史方面的知识，也要有一定的艺术方面的修养。年轻一代对歌剧并不关心，歌剧院极少有年轻人在场，这个现象，在美国尤为严重，歌剧艺术存在着青黄不接，后继无人的危机。其次，观众减少就带来财政赤字。要知道，维持一个世界级的大剧院和服持排练歌剧的班子，都需要巨额资金。

    2006 年，纽约大都会歌剧院迎来了新的经理Peter Gelb。 在Peter Gelb的创导下，有了一个解决问题的办法 —— 实况转播。Bloomberg Internet Satellite —— 以纽约为大本营的一个商业机构，为纽约大都会歌剧院提供了免费使用HD transmitting，在演出期间，每星期六下午，通过卫星链接，作高清电视实况转播到有专门音响设备的电影院或剧场。在2013-14年中， 全世界已在 66 个国家， 2000 个剧场（其中800 个 在 美国） 有实况转播，纽约大都会由此得到几千万元美金的盈利，观众也增加了很多。这也算是Yankee Ingenuity 的创新精神为歌剧的未来摸索的一条路吧，但愿此路畅通，歌剧能获新生，这可是美轮美奂的艺术啊！

   在下文中，我将再与大家分享我个人欣赏歌剧的一些体会。