有把京劇稱為國粹的，我不知道這是不是官方的權威定論。我只知道崑曲是被聯合國定為非物質文化遺產了，不知道京劇是否已經有此殊榮。如果京劇真的正式定為國粹，那今天絕大多數中國同胞可太不愛國了。不過這裡暫時不去管它，今天想談談京劇的表現形式。

一般把京劇的表演形式的特性概括為程式化，虛擬化。其實最根本的就是程式化。我是這樣看的，這程式化具體說就是舞蹈化，京劇演員的一舉一動，所謂手眼身法步，都被賦予了一定舞蹈的形式而固定下來，（這裡我把每一個台步都歸入舞蹈，也把武打歸入舞蹈，因為那裡面根本沒有博斗，都是舞蹈動作，）每齣京劇的所有一切（舞蹈）過程都按照既定的音樂節奏（鑼鼓）進行，（等於是一部總譜，）所以實際上京劇就是舞劇加入了歌唱和對白，而形成一個整體。這是京劇的最大特點和優點，所謂無聲不歌，無動不舞。（也有的人把京劇的特點還加上寫意性，假定性等，我覺得那都是從虛擬性派生的，下面再說。）

關於虛擬化，那其實是落後條件下的產物。因為那時京劇舞台的條件提供不了實物，就只有虛擬了。（小孩子最原始的戲劇即“辦家家“就是這樣的，）譬如舞台上安不了門，就可以作出模仿開關門的舞蹈化動作，來象徵門的存在，沒有馬就用馬鞭象徵等。但是只要能夠提供實物的它就不虛擬了，例如桌椅就從來不虛擬，（要虛擬演員也受不了，要他/她一動不動擺出假坐的舞蹈動作10分鐘，豈不要他的好看？）。其他如車，轎以及各種用具，各種武器也無不提供象徵的或儘量逼真的實物。所以虛擬乃不得已而為之。老式京劇舞台空空蕩蕩，乃不得已也，把這作為京劇的特點或優點，實在勉強。但這也給了京劇最大的方便，同一個空空蕩蕩的舞台，一會是在家中，一會又進了皇宮，或者到了大街上或後花園了，然而要說觀眾的視覺享受，自然談不上了。

（這種情況，在舞台條件經濟條件改善之後已經有了改變，可能條件下用了些布景，特別是在拍京劇電影時，但京劇的特點會受影響。如何處理，也就是如何不妨礙京劇特點的發揮而適當減少虛擬，待實踐來解決。）

除此之外，構成京劇的最重要特徵在於他的一整套完整的京劇聲腔音樂系統， 這是京劇區別於其他劇種或藝術形式的關鍵所在。這套體系太專門，我在這裡不去談論具體的調式板式，更不涉及什麼流派，主要談兩方面。

鑼鼓：這是京劇音樂的有機組成部分，可以說是京劇的靈魂，因為它控制京劇演出的整個過程和節奏。然而這種原來適合於室外演出（農村草台戲班子）的分唄，有沒有可能進一步改進以適應現代都市青年觀眾，我雖然過去聽慣了，今天也嫌吵。

京劇唱段中的過門（這個問題從來沒有看見有人提到過）：在歌唱的形式中，像京劇這樣具有固定過門的好像非常少見(不包括地方戲)。 固然，在戲劇的歌唱中，像崑曲那樣一開始唱就沒完沒了，毫無間歇，非到一段結束不歇氣，不免令人產生聽覺疲勞，而產生抗拒感；但京劇的過門的間歇，占用時間過長，也是問題。我自己大略統計，在原板或慢板中，大約唱詞占45%時間，過門占55%時間。過門雖然起個音樂環境的效應，但是基本都是自身重複，拉長了時間，不利表演。而且唱段多半是用於對話的，演員在每句話之間，並不需要過門這種時間間隔，因此演員的表演在過門的時間十分無奈，不得不做出一些不必要的肢體或面部動作來拖時間，事實上是個累贅。其實過門是完全可以縮減的，但是現在流行的做法反而是一些琴師要特意增加花過門，脫離劇情，延長過門，只為討好。我以為應該把目前每次七八個小節的過門壓縮到兩小節，使表演更加緊湊。奇怪的是為什麼從來沒有人在這方面動腦筋。

其次如何讓觀眾聽懂唱詞也很重要。雖然京劇很強調吐字，所謂“字正腔圓”，然而實際上觀眾中很少有人能夠聽懂唱詞。根據我的經驗，觀眾聽懂唱詞興趣會大得多。所以採用字幕是必要的。

京劇前輩大師王瑤卿，就主張京劇的命運在於革新，而現在卻有人主張要敬畏傳統。有的對於前人亦步亦趨，生怕走了樣，斤斤拘泥於某個大師在唱某個字時候又多了一個小彎之類。我的感覺，京劇不論在唱腔藝術和舞蹈藝術方面都需要發展。舞蹈，即身段，是京劇界所最自豪的，然而豈無發展餘地？前些年從地方劇種都帶來過少許新東西，（稱為移植），然而京劇界自己的創造呢？過去有些演員，我覺得像趙燕俠，童芷玲她們就相當大膽，敢於創新，並不去特意標榜自己是哪一派；如今呢？人人都在一個勁地往某一派歸靠，我曾經以為李維康有點自己個性，好像也不怎麼樣了。大陸那種大環境，也不可能產生有個性能夠獨立創造的拔尖人物。我這外行也是瞎操心。

現在又提出要培養觀眾，要在中小學中普及京劇知識。要在音樂課中增加京劇內容，我看到的消息說選了15段戲，絕大多數是現代戲。這也難怪，你想傳統戲的唱詞有幾段適宜去教給小孩子呢？必然是“都有一顆紅亮的心”之類了。至於誰來教，是個問題，至不濟當成歌唱吧。有把京劇稱為國粹的，我不知道這是不是官方的權威定論。我只知道崑曲是被聯合國定為非物質文化遺產了，不知道京劇是否已經有此殊榮。如果京劇真的正式定為國粹，那今天絕大多數中國同胞可太不愛國了。不過這裡暫時不去管它，今天想談談京劇的表現形式。

一般把京劇的表演形式的特性概括為程式化，虛擬化。其實最根本的就是程式化。我是這樣看的，這程式化具體說就是舞蹈化，京劇演員的一舉一動，所謂手眼身法步，都被賦予了一定舞蹈的形式而固定下來，（這裡我把每一個台步都歸入舞蹈，也把武打歸入舞蹈，因為那裡面根本沒有博斗，都是舞蹈動作，）每齣京劇的所有一切（舞蹈）過程都按照既定的音樂節奏（鑼鼓）進行，（等於是一部總譜，）所以實際上京劇就是舞劇加入了歌唱和對白，而形成一個整體。這是京劇的最大特點和優點，所謂無聲不歌，無動不舞。（也有的人把京劇的特點還加上寫意性，假定性等，我覺得那都是從虛擬性派生的，下面再說。）

關於虛擬化，那其實是落後條件下的產物。因為那時京劇舞台的條件提供不了實物，就只有虛擬了。（小孩子最原始的戲劇即“辦家家“就是這樣的，）譬如舞台上安不了門，就可以作出模仿開關門的舞蹈化動作，來象徵門的存在，沒有馬就用馬鞭象徵等。但是只要能夠提供實物的它就不虛擬了，例如桌椅就從來不虛擬，（要虛擬演員也受不了，要他/她一動不動擺出假坐的舞蹈動作10分鐘，豈不要他的好看？）。其他如車，轎以及各種用具，各種武器也無不提供象徵的或儘量逼真的實物。所以虛擬乃不得已而為之。老式京劇舞台空空蕩蕩，乃不得已也，把這作為京劇的特點或優點，實在勉強。但這也給了京劇最大的方便，同一個空空蕩蕩的舞台，一會是在家中，一會又進了皇宮，或者到了大街上或後花園了，然而要說觀眾的視覺享受，自然談不上了。

（這種情況，在舞台條件經濟條件改善之後已經有了改變，可能條件下用了些布景，特別是在拍京劇電影時，但京劇的特點會受影響。如何處理，也就是如何不妨礙京劇特點的發揮而適當減少虛擬，待實踐來解決。）

除此之外，構成京劇的最重要特徵在於他的一整套完整的京劇聲腔音樂系統， 這是京劇區別於其他劇種或藝術形式的關鍵所在。這套體系太專門，我在這裡不去談論具體的調式板式，更不涉及什麼流派，主要談兩方面。

鑼鼓：這是京劇音樂的有機組成部分，可以說是京劇的靈魂，因為它控制京劇演出的整個過程和節奏。然而這種原來適合於室外演出（農村草台戲班子）的分唄，有沒有可能進一步改進以適應現代都市青年觀眾，我雖然過去聽慣了，今天也嫌吵。

京劇唱段中的過門（這個問題從來沒有看見有人提到過）：在歌唱的形式中，像京劇這樣具有固定過門的好像非常少見(不包括地方戲)。 固然，在戲劇的歌唱中，像崑曲那樣一開始唱就沒完沒了，毫無間歇，非到一段結束不歇氣，不免令人產生聽覺疲勞，而產生抗拒感；但京劇的過門的間歇，占用時間過長，也是問題。我自己大略統計，在原板或慢板中，大約唱詞占45%時間，過門占55%時間。過門雖然起個音樂環境的效應，但是基本都是自身重複，拉長了時間，不利表演。而且唱段多半是用於對話的，演員在每句話之間，並不需要過門這種時間間隔，因此演員的表演在過門的時間十分無奈，不得不做出一些不必要的肢體或面部動作來拖時間，事實上是個累贅。其實過門是完全可以縮減的，但是現在流行的做法反而是一些琴師要特意增加花過門，脫離劇情，延長過門，只為討好。我以為應該把目前每次七八個小節的過門壓縮到兩小節，使表演更加緊湊。奇怪的是為什麼從來沒有人在這方面動腦筋。

其次如何讓觀眾聽懂唱詞也很重要。雖然京劇很強調吐字，所謂“字正腔圓”，然而實際上觀眾中很少有人能夠聽懂唱詞。根據我的經驗，觀眾聽懂唱詞興趣會大得多。所以採用字幕是必要的。

京劇前輩大師王瑤卿，就主張京劇的命運在於革新，而現在卻有人主張要敬畏傳統。有的對於前人亦步亦趨，生怕走了樣，斤斤拘泥於某個大師在唱某個字時候又多了一個小彎之類。我的感覺，京劇不論在唱腔藝術和舞蹈藝術方面都需要發展。舞蹈，即身段，是京劇界所最自豪的，然而豈無發展餘地？前些年從地方劇種都帶來過少許新東西，（稱為移植），然而京劇界自己的創造呢？過去有些演員，我覺得像趙燕俠，童芷玲她們就相當大膽，敢於創新，並不去特意標榜自己是哪一派；如今呢？人人都在一個勁地往某一派歸靠，我曾經以為李維康有點自己個性，好像也不怎麼樣了。大陸那種大環境，也不可能產生有個性能夠獨立創造的拔尖人物。我這外行也是瞎操心。

現在又提出要培養觀眾，要在中小學中普及京劇知識。要在音樂課中增加京劇內容，我看到的消息說選了15段戲，絕大多數是現代戲。這也難怪，你想傳統戲的唱詞有幾段適宜去教給小孩子呢？必然是“都有一顆紅亮的心”之類了。至於誰來教，是個問題，至不濟當成歌唱吧。有把京劇稱為國粹的，我不知道這是不是官方的權威定論。我只知道崑曲是被聯合國定為非物質文化遺產了，不知道京劇是否已經有此殊榮。如果京劇真的正式定為國粹，那今天絕大多數中國同胞可太不愛國了。不過這裡暫時不去管它，今天想談談京劇的表現形式。

一般把京劇的表演形式的特性概括為程式化，虛擬化。其實最根本的就是程式化。我是這樣看的，這程式化具體說就是舞蹈化，京劇演員的一舉一動，所謂手眼身法步，都被賦予了一定舞蹈的形式而固定下來，（這裡我把每一個台步都歸入舞蹈，也把武打歸入舞蹈，因為那裡面根本沒有博斗，都是舞蹈動作，）每齣京劇的所有一切（舞蹈）過程都按照既定的音樂節奏（鑼鼓）進行，（等於是一部總譜，）所以實際上京劇就是舞劇加入了歌唱和對白，而形成一個整體。這是京劇的最大特點和優點，所謂無聲不歌，無動不舞。（也有的人把京劇的特點還加上寫意性，假定性等，我覺得那都是從虛擬性派生的，下面再說。）

關於虛擬化，那其實是落後條件下的產物。因為那時京劇舞台的條件提供不了實物，就只有虛擬了。（小孩子最原始的戲劇即“辦家家“就是這樣的，）譬如舞台上安不了門，就可以作出模仿開關門的舞蹈化動作，來象徵門的存在，沒有馬就用馬鞭象徵等。但是只要能夠提供實物的它就不虛擬了，例如桌椅就從來不虛擬，（要虛擬演員也受不了，要他/她一動不動擺出假坐的舞蹈動作10分鐘，豈不要他的好看？）。其他如車，轎以及各種用具，各種武器也無不提供象徵的或儘量逼真的實物。所以虛擬乃不得已而為之。老式京劇舞台空空蕩蕩，乃不得已也，把這作為京劇的特點或優點，實在勉強。但這也給了京劇最大的方便，同一個空空蕩蕩的舞台，一會是在家中，一會又進了皇宮，或者到了大街上或後花園了，然而要說觀眾的視覺享受，自然談不上了。

（這種情況，在舞台條件經濟條件改善之後已經有了改變，可能條件下用了些布景，特別是在拍京劇電影時，但京劇的特點會受影響。如何處理，也就是如何不妨礙京劇特點的發揮而適當減少虛擬，待實踐來解決。）

除此之外，構成京劇的最重要特徵在於他的一整套完整的京劇聲腔音樂系統， 這是京劇區別於其他劇種或藝術形式的關鍵所在。這套體系太專門，我在這裡不去談論具體的調式板式，更不涉及什麼流派，主要談兩方面。

鑼鼓：這是京劇音樂的有機組成部分，可以說是京劇的靈魂，因為它控制京劇演出的整個過程和節奏。然而這種原來適合於室外演出（農村草台戲班子）的分唄，有沒有可能進一步改進以適應現代都市青年觀眾，我雖然過去聽慣了，今天也嫌吵。

京劇唱段中的過門（這個問題從來沒有看見有人提到過）：在歌唱的形式中，像京劇這樣具有固定過門的好像非常少見(不包括地方戲)。 固然，在戲劇的歌唱中，像崑曲那樣一開始唱就沒完沒了，毫無間歇，非到一段結束不歇氣，不免令人產生聽覺疲勞，而產生抗拒感；但京劇的過門的間歇，占用時間過長，也是問題。我自己大略統計，在原板或慢板中，大約唱詞占45%時間，過門占55%時間。過門雖然起個音樂環境的效應，但是基本都是自身重複，拉長了時間，不利表演。而且唱段多半是用於對話的，演員在每句話之間，並不需要過門這種時間間隔，因此演員的表演在過門的時間十分無奈，不得不做出一些不必要的肢體或面部動作來拖時間，事實上是個累贅。其實過門是完全可以縮減的，但是現在流行的做法反而是一些琴師要特意增加花過門，脫離劇情，延長過門，只為討好。我以為應該把目前每次七八個小節的過門壓縮到兩小節，使表演更加緊湊。奇怪的是為什麼從來沒有人在這方面動腦筋。

其次如何讓觀眾聽懂唱詞也很重要。雖然京劇很強調吐字，所謂“字正腔圓”，然而實際上觀眾中很少有人能夠聽懂唱詞。根據我的經驗，觀眾聽懂唱詞興趣會大得多。所以採用字幕是必要的。

京劇前輩大師王瑤卿，就主張京劇的命運在於革新，而現在卻有人主張要敬畏傳統。有的對於前人亦步亦趨，生怕走了樣，斤斤拘泥於某個大師在唱某個字時候又多了一個小彎之類。我的感覺，京劇不論在唱腔藝術和舞蹈藝術方面都需要發展。舞蹈，即身段，是京劇界所最自豪的，然而豈無發展餘地？前些年從地方劇種都帶來過少許新東西，（稱為移植），然而京劇界自己的創造呢？過去有些演員，我覺得像趙燕俠，童芷玲她們就相當大膽，敢於創新，並不去特意標榜自己是哪一派；如今呢？人人都在一個勁地往某一派歸靠，我曾經以為李維康有點自己個性，好像也不怎麼樣了。大陸那種大環境，也不可能產生有個性能夠獨立創造的拔尖人物。我這外行也是瞎操心。

現在又提出要培養觀眾，要在中小學中普及京劇知識。要在音樂課中增加京劇內容，我看到的消息說選了15段戲，絕大多數是現代戲。這也難怪，你想傳統戲的唱詞有幾段適宜去教給小孩子呢？必然是“都有一顆紅亮的心”之類了。至於誰來教，是個問題，至不濟當成歌唱吧。